Junio 2009

Lorenza Aranguren

Ver más allá. Guadalajara, Enero de 2011

Francisco Javier Ibarra

En este ejercicio de su consumada manifestación artística, Lorenza Aranguren transforma a la pintura en un medio para acercarse, para tentativamente aproximarse -a través del lenguaje contemporáneo del arte- a una reflexión de la condición humana en el mundo actual. Su pintura no alude, no representa, no alegoriza, sino que sencillamente ve el mundo. Pero un mundo que parece ciego por convicción propia, o al menos no dispuesto a ejercer la suprema responsabilidad, el compromiso, la libertad y la complicidad que implica realmente ver.

En cada uno de los cuadros de este conjunto pictórico a los que sería inicuo y poco sensible calificarlos como abstractos, irrumpen en todas direcciones las veladuras que funcionan a la perfección como un vehículo de la transparencia y la visibilidad, las composiciones en claroscuro, los vuelos arrebatados de la gama de grises, o las incisivas tonalidades blancas y negras. Nada queda de aquellos vigorosos colores, del virtuosismo cromático, de los antiguos cuadros y series de Lorenza Aranguren. Como si tuviera que haberse despojado de ellos, de su confortable y retórico manto protector, para poder ver –acaso ver con los ojos de las manos y del espíritu, con los eternos ojos del arte- y alcanzar ahora una epifanía, una nueva visión, un momento de deslumbramiento: la intensidad poética de su pintura.

En este sentido, "Paso sin Ver" se convirtió en toda una experiencia, casi alquímica, al interior del templo de la mirada, de los poderes expresivos de la pintura.

A contracorriente de un mundo en el que, como diría el laureado novelista portugués José Saramago, "estamos ciegos, ciegos que ven, ciegos que, viendo, no ven"; y de un mundo en el que también las imágenes se han convertido en un incesante bombardeo, una saturación cotidiana y una omnipresente dictadura de lo políticamente correcto, pero imágenes que en todo momento se niegan a vernos y a que nos veamos tal cual somos –es decir, a ver el mundo real- y que sólo responden a la ciega lógica de su presentación y representación….

Frente a tales realidades contemporáneas, Lorenza Aranguren decidió pintar con los ojos vendados cada uno de estos cuadros, tomar el acrílico y la cera para esgrafiar las telas, tomar a ciegas los pinceles, las espátulas, los botes con pintura, y plasmar toda su rabia, su impotencia, su "ceguera", sus reflexiones, su pasión crítica, sus ganas de decir, para convertirlas en una múltiple transfiguración que gozosamente salta a la vista: lienzos que arrojan luz hacia nosotros y nos quitan ciertas vendas, nos revelan, y nos siembran la semilla de la rebelión, con el fin de que veamos la vida y el mundo actual con nuestros propios ojos, para que veamos lo verdaderamente importante, lo que está frente a nosotros, lo que está a nuestro lado, lo que casi siempre no queremos mirar, lo que pasamos sin ver, ya sea de una manera real o metafórica.

Con esta inquietante serie pictórica, donde se reúnen veinte piezas de diversos formatos, Lorenza Aranguren confirma sus desafíos estéticos, su visión artística contemporánea, su reflexión en torno a la condición humana. Sin duda, esta experiencia transfiguradora también se replica en quien observa sus cuadros, ya que sus pinturas constituyen un viaje iniciático en el que nos invita a volver a mirar, a contemplar; nos incita a ir más allá de lo evidente, de los prejuicios, de los visibles paisajes del egoísmo, de la ceguera cotidiana; en una palabra, Lorenza Aranguren nos muestra, con sus irreverentes cuadros, un camino para ver más allá.

2008

Lorenza Aranguren

Con su libro "Me llamo Rojo" Orham Pamuk, Premio Nóbel de Literatura 2006, me inspiró a concretar esta nueva serie y con ella, quiero hacer un homenaje al color rojo.

En uno de los capítulos del libro, Pamuk se plantea una pregunta clave para mi interés como pintora.

¿En qué consiste ser un color?

El color ha sido una constante en mi obra y de tiempo acá, la necesidad de expresarme a través del color rojo ha sido inminente.

¿Porqué? No lo sé, pero tal vez estas encáusticas bañadas en rojo o en blancos y negros con un detalle en rojo, como lo hacían los ilustradores en tiempos del imperio otomano, me lleven a encontrar algunas respuestas... o tal vez no. El artista nunca cesa en su lucha por encontrarse a si mismo.

A continuación narro textualmente algunas de las ideas de este genio de la literatura.

¿En qué consiste ser un color?

El color es el tacto del ojo, la música de los sordos, una palabra en la oscuridad. Como hace decenas de miles de años he estado escuchando lo que hablaban las almas, como si fuera el susurro del viento, de libro en elibro y de objeto en objeto, puedo afirmar que mi caricia se parece a la de los ángeles. ¡Que felíz estoy de ser rojo! Soy fogoso y fuerte: sé que llamo la atención y que no podéis resistiros a mí.

No me oculto: para mí el refinamiento no se manifiesta a través de la debilidad o de la falta de fuerza, sino a través de la decisión y la voluntad. Me expongo abiertamente. No temo a los demás colores, ni a las sombras, ni a la multitud, ni a la soledad.

¡Que hermoso es llenar con mi fuego triunfante una superficie que me está esperando! Allí donde me extiendo, brillan los ojos, se refuerzan las pasiones, se elevan las cejas y se aceleran los corazones.

Miradme: ¡Que hermoso es vivir! Contempladme: ¡Que bello es ver! Vivir es ver. Aparezco en cualquier parte. La vida comienza conmigo, todo regresa a mí, creedme. Y así al darle color, es como si ordenara al mundo "existe" y el mundo toma mi color de sangre, el que no ve puede negarlo, pero estoy en todas partes.

Lorenza Aranguren deja el color a un lado

Pablo Guerrero Galería exhibe en sus salas una decena de cuadros abstractos denominados por los tonos blancos

Hacía tiempo que la artista taparía Lorenza Aranguren no se dejaba ver con su obra en los espacios expositivos. Han sido dos años aprovechados para pensar, escribir mucho, reflexionar y despedirse de los colores, sobre todo de la gama de rojos tan presente en sus últimos trabajos. Y el resultado de esa introspección es el conjunto de 10 óleos y encaústicas que inaugura esta noche en Pablo Guerrero Galería con el título "Los Silencios que se escuchan.

"La mayoría de la gente me ubica con mi obra colorida, pero tenía la necesidad de hacer algo distinto, de dejar el color a un lado (me hacía mucho ruido) y de hacer una observación interna muy profunda, que me llevó a hacer un trabajo más depurado y muy limpio de color", expresa Aranguren, que en algunas piezas se atreve a incluir alguna pincelada de rojo y uno que otro tono amarillo.

El origen de la serie Los silencios que se escuchan hay que buscarlo hace aproximadamente un año, cuando la artista empezó a pintar el cuadro titulado La vulnerabilidad del blanco sin que hasta entonces hubiese manejado los óleos de ese color casi de forma exclusiva "Esa obra resultó ser una batalla increíble -recuerda-, porque empezó con muchos negros, pero la raspé y raspé, y tardé como cuatro meses haciendo ese cuadro, hasta que aterrizó. Trabajé muy duro, le quitaba, le ponía una vez y otra vez, le agregaba más blanco, diferentes tonos de blanco y quedó prácticamente el cuadro blanco. Y era padrísimo, porque lo miraba por la tarde y se veía de un tono distinto al que resultaba si lo miraba por la mañana o al logrado cuando prendía las luces de halógeno".

El título de la muestra es el resultado de la inquietud que entonces también tenía Aranguren de "hacer que se escuchara un silencio que yo tenía, como hablando de una manifestación en silencio, una mirada, una carta… muchas cosas que te llevan a escuchar silencios".

Fidelidad al arte abstracto

Hace ya casi dos décadas que Lorenza Aranguren presentó su primera exposición individual enmarcada en el arte abstracto, estilo del que ya nunca se ha desligado. Lejos de imitar la realidad a través del arte figurativo, lo que a ella le interesa es expresar a través de sus pinturas la subjetividad y su mundo interior de artista, logrando transmitir directamente el sentimiento mediante la mezcla de colores sin ninguna restricción (cuando es el caso) y plasmando formas y trazos con relaciones libres entre ellos.
"Lo abstracto me entretiene, me gusta muchísimo, me ocupa. Es una búsqueda sin límites, definitivamente. Dentro de lo figurativo siempre vas a estar limitado, mientras que lo abstracto es una búsqueda y aunque lo hace más difícil y más complicado porque quieres encontrar balance fuerza, y a veces algo de la nada, a mi me gusta mucho. Definitivamente, yo voy a seguir por ahí siempre", afirma.

Instalación

Los silencios que se escuchan es la segunda exposición individual de Lorenza Aranguren en Pablo Guerrero Galería, donde en esta ocasión también presenta una instalación, que ha titulado "El encierro". Se trata de 31 pequeñas casas de acrílico cuyo interior contiene una hoja de un bloc de notas arrugada con la opinión de alguien cerca de la situación vivida a principios del pasado mes de mayo en la capital de Jalisco, cuando el brote de influenza forzó la suspensión de misas, el viere de restaurantes y bares, obligó a jugar partidos de fútbol a puerta cerrada y causó paralización casi total de las actividades culturales programadas, ante la emergencia sanitaria. "Al poner dentro de una casita las diferentes opiniones que recabé entre la gente sobre lo que pensaba acerca de esta situación, doy la idea de que estamos encerrados en casa. Esta instalación también habla mucho de silencios que se escuchaban, porque dice mucho", señala la artista.

Febrero 2004

Francisco Javier Ibarra

La naturaleza del auténtico viaje, como el de la verdadera creación artística, como el de la existencia vivida a fondo, es correr riesgos. Ir más allá de lo previsible, de lo planeado, de lo trazado por una mano invisible que mece las horas. Intuir, saber, que al viajar y traspasar las rutas turísticas, en realidad se llegará al conocimiento y al sentimiento de un lugar; que al crear y buscar un lenguaje propio, en verdad se expresará en forma y contenido lo que se desea comunicar por medios artísticos; que al vivir y tener conciencia de la capacidad de elegir, entonces se dotará de sentido a los pasos individuales y colectivos sobre la tierra. En una palabra, creer que siempre hay "algo más" que mueve, que seduce, que cautiva y que abre caminos y posibilidades de ser.

Desde esta perspectiva, la exposición de Lorenza Aranguren titulada ADN es un riesgo tomado consciente y libremente por esta artista jaliscience, asumido por entero con voluntad de creación, con ganas de jugar, de experimentar, de viajar por los filamentos de la vida, de investigar términos pictóricos el origen y el destino, de hacerle un guiño al azar, de ir más allá.

En estos cuadros en los que conviven la cera y el óleo, los rojos y los ocres, los verdes y los naranjas, el negro y el blanco, la búsqueda y el encuentro, la desmesura y el equilibrio, la casualidad y la precisión, Lorenza Aranguren lleva a cabo una travesía por los senderos de la vitalidad a través del lenguaje de la abstracción: evocaciones de un universo que late en cada piel, en cada movimiento, en cada posibilidad de encarnar, en cada manera de fenecer, en cada una de las secuencias de la contradicción y lo absurdo, en cada sino que corre por las venas, en cada hueco de la eternidad.

En la verdad de las pinturas de Lorenza Aranguren, en el espacio de los lienzos donde cobra vida su realidad como pintora contemporánea, es palpable su vocación por hacerse esas preguntas esenciales que, en varias ocasiones, la mayoría de las personas preferimos no formularnos: ¿de dónde venimos?, ¿a dónde vamos?, ¿qué somos?, ¿cómo es posible la vida?, ¿qué es la muerte?, ¿será posible la inmortalidad?, ¿el tiempo es sólo una medida convencional?, ¿al final, regresamos a la infinitud de la materia o hay algo del otro lado?, ¿muerte y vida son dos máscaras de un mismo rostro?.

Las pinturas que ahora expone Lorenza Aranguren son una forma de respuesta a tales preguntas: silencio y misterio. En sus cuadros, tentativas de libertad, el ADN continúa labrando su eterna trenza dorada, la flecha del tiempo jamás se detiene, las texturas son cromosomas que retan a la mirada, la diversidad florece como en un jardín sin más restricciones que las que impone la propia vida, el código genético se evapora por la intensidad expresiva de los colores, las combinaciones esperan ser vislumbradas y descifradas, el hoyo negro de la temporalidad fascina y repele, inquieta y embelesa; el viaje de la existencia es una invitación, una incitación, un riesgo que no puede dejar de tomarse.

Sin pretender llevar a la tela una traducción documental de algunos de los paradigmas científicos contemporáneos en el lenguaje de la abstracción pictórica, Lorenza Aranguren ha logrado plasmar una genuina experiencia estética, un acto de creatividad e imaginación, un deslumbramiento apasionado: la vida y el arte se imitan, se desdoblan, se retan, se entrelazan y siguen sus propios caminos, se miran al espejo y nos abren los ojos para relativizar dogmas, convenciones, artificios, convicciones, ataduras, es decir, todo aquello que hace a la existencia un simulacro de lo que en realidad puede llegar a ser.

1996

José Luis Meza Inda

HACE POCOS años, que la joven tapatía Lorena Aranguren decidió liberar su quehacer pictórico de las ataduras de la realidad, y con ello, no solo dio el impulso determinante a su carrera artística, sino que entró de lleno en el ámbito más refinado de la expresión estética contemporánea.

En un principio fue necesario que como punto de partida a sus aspiraciones pictóricas, esta joven se entregase con empeño al cultivo del tradicional naturalismo académico; mediante lo cual afirmó sus dotes dibujísticas, descubrió las funciones y significados del color, y se enfrentó casi siempre con éxito y gratos resultados, a la realidad del paisaje, de las figuras humana, de las formas florales y frutales, de la arquitectura, del mar y de otras manifestaciones de la naturaleza, transponiéndolas hábilmente a sus telas en toda su verdad y belleza, ejercitando así manos, ojos y sensibilidad. Sin embargo esa pintura enraizada en lo sensible no le satisfacía. Sabía que esa habilidad de copiar el mundo que le rodeaba no llenaba sus aspiraciones de autonomía y anticonformismo y que por ende, debía de pasar, de la mera reproducción exacta de formas exteriores, al intento de la recreación personal, a la vivacidad de las interpretación anímica, al trazo intenso y significante, a la realización de la obra en fin, cargada de afanes subjetivos. Fue entonces cuando comenzó para Lorenza Aranguren, la genuina aventura de pintar-

Sus cuadros, en esta fase evolutiva poseían aun, referencias al mundo natural, pero luchaban por proyectarse apasionadamente a la consecución de nuevas y más libres apariencia, caracterizadas por una calida exhuberancia matérica y cromática. Las formas y figuras se adivinaban o mantenían su estructura inidentificable, pero al mismo tiempo se transfiguraban, se movían, flotaban o se proyectaban vivazmente en otro espacio, sobre fondos abstractos o neutros elaborados con gran libertad, cargados de pigmento y de sugestibilidad.

El tema, el sujeto o el objeto predeterminado de la obra se fueron así convirtiendo cada vez más en menos pretextos, para audaces juegos de valores puramente formales y cromáticos, de tal manera que forma y color independientes, acabaron por ser la verdadera base estructural y compositiva de sus cuadros, y suplantaron definitivamente los valores tradicionales. Lorenza se da cuenta de que la pintura para ella, definitivamente, no tiene como fin elaborar remedos de lo visto y explorado, sino descubrir la existencia de lo desconocido, encontrar un orden entre los elementos que antes nadie haya señalado, inventar nuevos registros a la realidad.

La consecuencia lógica de esta tendencia, fue el abandono casi absoluto de lo objetivo y su reproducción, para ir a la búsqueda y encuentro de lo esencial, del alma oculta de las cosas, de la estructura para ir a la búsqueda y encuentro de lo esencial, del alma oculta de las cosas, de la estructura metafísica de las formas, lo cual se traduce en composiciones líricamente abstractas.

Fruto de esta actitud son esos cuadros al acrílico cuidadosamente fondeados, donde Lorenza Aranguren Comienza a trazar amplias manchas que irradian resplandores borrascosos o que semejan zonas de quietud extrema; brochazos vigorosos que se extienden flameantes o que entrechocan entre si, creado atrayentes atmósferas irreales; vestigios de formas vagamente reconocibles, pero absorbidas en la profundidad de lo insondable, vibrantes y equilibrados juegos cromáticos cruzando relampagueantes, o siguiendo derroteros verticales, horizontales o diagonales; sobre la superficie de sus telas; gruesos y dinámicos manchones circulares, cargados de materia densa; gestuales estridencias, desesperados estallidos de luz, estruendosas y cómicas explosiones; tensas líneas de fuerza llevadas al límite extremo; todo esto impregnado de un profundo dramatismo, de una vertiginosa expresividad, de una convulsa inquietud que se concreta visualmente en una serie de pinturas de veras bellas, poderosas y convincentes, que atestiguan la presencia de una mujer plena de rica vida interior, convencida de lo que hace, dominadora de sus medios, y que a la vez, parece dar forma y apariencia a la lucha constante que libran en torno al espíritu humano, las fuerzas elementales y primitivas de la emoción y la pasión.

Sin embargo, hay algo que llama poderosamente la atención en estas obras, en las cuales pese a la desbordada violencia de sus ejecución, al ondulatorio dinamismo que las anima, a la feraz imaginación que las impulsa; hay siempre en ellas un orden que las mantiene dentro de los imites de lo racional; hay un sentido natural, casi musical, que les confiere un ritmo de ejecución y admirable equilibrio de composición, y sobre todo, hay una excepcional armonía en el colorido, tanto cuando emplea una paleta restringida a pocos tonos básicos, como cuando se desborda en una variedad más amplia de colores.

Su colorido tan atrayente y tenso, tan luminoso y límpido, se encuentra siempre dotado de calidad propia y determinada, y posee la virtud de ir siempre acorde con la intención expresiva de cada una de sus obras.

Señalando o subrayando condiciones ambientales, atmósferas, pensamientos o sentimientos ligados a la irritación, convulsión, tranquilidad, severidad, frialdad, ardor, estatismo, pasión, silencio, angustia, paz, esperaza, pero sobre todo al placer de pintar, a la emoción de expresar, al gozo de imaginar, a la capacidad de urdir, y en especial a esa fina sensibilidad con natural elegancia y acordada cadencia en su mezcla y trabazón, virtud que solo es posible encontrar en los grandes coloristas.

Cualquier otro aspirante a artista se hubiese sentido halagado honestos resultados y se hubiese instalado en ellos con morosa delectación, para disfrutar de sus recompensas, mas no esta inquieta pintora, quien pese a los merecidos aplausos, a al admiración y las satisfacciones que ha obtenido con su proceso evolutivo formal y expresivo, y mostrándose cada día más segura y firme en su oficio, más conciente y reflexiva en sus intenciones, se ha venido entregando en fechas recientes, a la manufactura de refinados y hermosos cuadros, donde los impulsos violentos son atemperados, donde no existe desborde y exhuberancia, sino introspección y planeado trazo; cuadros cuya instrumentación y resolución estructural se inscribe en un docto y bien calculado contrapunto de formas geométricas de afiladas aristas, en el entrechoque de líneas firmes, en el juego de complejos ángulos, de formas cuadradas, rectangulares y circulares; de coordenados mosaicos, de apretadas cribas y rejillas, de fragmentos ajedrezados, inclusive, de zonas resueltas mediante el recurso de emplear elementos no pictóricos, impregnados de riqueza visual e intención conceptual; andamiaje formal de firmes estructuras planas sobre el cual se inscriben los signos caligráficas y trazos nerviosos tan propios del lenguaje plástico de Lorenza Aranguren, pero que como digo, aquí y ahora, se muestran más contenidos, más premeditados, más acordes con el fondo rítmico de la estructura, dando lugar así, a relaciones más complejas y quizás por ello, más profundamente significativas.

Esta misma resolución formal está apoyada por un colorido también diferente al resto de su obra anterior. Es un cromatismo más sobrio en sus gamas, menos estridente y explosivo, tendiente casi siempre a las tonalidades del ocre, de los dorados, de las tierras cocidas, que dan como resultado cuadros caldeados por un sol interior, felizmente acentuados por espacios de clara luminosidad o densa negrura; cuadros en fin, de veras sugestivos y delicados.

Mas libertad o contención, lo esencial es que Lorenza Aranguren se muestra siempre como una excelente pintora. En estas obras cabalmente construidas y ensambladas, en estos colores refinadamente entonados y dosificados, en este cuidado por lograr ordenaciones claras, en esta búsqueda de signos regidos por el razonamiento en su pintura, sobrevive oculto el contenido de ardiente carga de valores emocionales, de ritmos y movimientos, de vitalidad y fantasía característicos de su obra anterior, aunque refrenados como apunto arriba, por las brindas de la razón.

Quizás sea este apasionado rigor o este riguroso apasionamiento el sello que habrá de signar definitivamente la tarea artística de Lorenza Aranguren: mas de cualquier manera y desde ahora, estamos ya ante una singular pintora de intensa personalidad, capaz de retener largamente la atención y suscitar la emoción, a través de una obra que a mi juicio, posee prioridad sobre mucha de la pintura semejante que se elabora actualmente, no solo en esta ciudad y en esta región, sino que estoy seguro, en el país entero.

Enduring Entity in the work of Lorenza Aranguren

By John Austin

Ricardo Duarte